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Críticas de Filmes

Wicked – Crítica Filme

by Beatriz Silva Dezembro 3, 2024

written by Beatriz Silva

Os fãs da Broadway e d’O Feiticeiro de Oz estão a viver a sua melhor vida neste momento, com Wicked a chegar aos grandes ecrãs! Tem sido bastante aclamado internacionalmente, nos países em que já estreou, mas será que o filme é realmente assim tão bom?

A verdade é que sim, o filme é mesmo muito bom, mesmo comigo a ir com as expetativas altíssimas, chegando mesmo a estar ansiosa para o ver. Há vários pontos que tenho de falar ao longo desta crítica, mas quero dar o disclaimer de que a primeira vez que ouvi as músicas do Wicked foi no Glee (sim, eu sou dessa geração) e portanto já era apaixonada pelas músicas antes de conhecer mesmo a peça. Infelizmente nunca consegui ver a peça por inteiro, mas um dia concretizarei esse sonho!

Contei-vos isto porque é bom que estejam preparados para pessoas como eu que vão tentar cantar super baixinho ou até mesmo tentar ficar caladas mas vai ser mais forte do que nós!

Agora fora de brincadeiras, quero começar por destacar o excelente trabalho visual do filme, especialmente de cenografia. Para quem não sabe, eles construíram os vários cenários que vemos no filme, precisamente para passar essa onda de realismo para o filme, e claro que o facto de aproveitarmos para apreciar cada detalhe dos mesmos, com os efeitos visuais, fez com que a primeira parte do filme tivesse quase tanto tempo como o musical inteiro. Precisamente porque em palco não dá para nos tirarem o ar dos pulmões como o fizeram (em IMAX então, lindíssimo!).

Com os cenários, há que dar os parabéns a todos os figurinos e a todos os dançarinos que, com as coreografias interpretadas, trouxeram dinamismo ao filme, alegria e principalmente energia. Fez com que as músicas ganhassem outra dimensão sem nunca ser demasiado fantasioso! Jon M. Chu a provar que sabia muito bem o que queria fazer com este filme e o que era esperado pelos fãs!

A banda sonora é chef’s kiss, claro, mas sabemos que nem todas as músicas são perfeitas. Mas se há música que nos impacta é a última – Defying Gravity – que já me tinha posto a chorar antes e que me pôs a chorar no filme. Tirando isso, mesmo com as músicas, era importante termos aqui uma camada super importante: a interpretação das mesmas.

E nisso, tenho de aplaudir a Cynthia Erivo e a Ariana Grande. Não só foram perfeitas nos papéis, como arriscaram cantar live (ou seja, foi tudo gravado em set e não num estúdio) para que as músicas pudessem ganhar ainda mais emoção e profundidade. Para que nós sentíssemos o que as personagens delas estão a sentir.

A Ariana desde sempre que quis interpretar a Glinda e inclusive teve de fazer a audição três vezes, mas nota-se o empenho que dedicou a esta personagem, e arrisco-me a dizer que desapareceu mesmo nela. E a Cynthia Erivo prova mais uma vez que para além de um vozeirão, é a escolha perfeita para ser a Elphaba, a Bruxa Má do Oeste numa história em que percebemos que foi mal interpretada. É maravilhoso ver as emoções que ela nos vai passando, e vamos até mesmo sofrendo com ela.

E claro, todos os atores que também fazem o filme e que terão um papel super importante numa parte 2: Jonathan Bailey como Fiyero, que andava a gravar Fellow Travelers, Wicked e Bridgerton ao mesmo tempo provando assim também que é um ator empenhado e que cumpre com o que lhe é pedido; Jeff Goldblum, um veterano que nos entrega aqui um Feiticeiro de Oz bastante interessante; Michelle Yeoh como Madame Morrible, a mentora de Elphaba e ainda Ethan Slater como Boq (e atual namorado da Ariana) e Marissa Bode como Nessarose, a irmã de Elphaba. Embora o destaque não tenha sido deles aqui, mas sim na construção da amizade da Glinda e da Elphaba, escrevam o que vos digo, vão ser mais relevantes numa parte 2.

Resumindo, acho que já deu para perceber que esta primeira parte do Wicked trouxe-nos tudo aquilo que andamos a pedir: uma boa adaptação de musical, boas representações, boa história, bons efeitos práticos e visuais e, claro, bom entretenimento. Wicked foi tudo o que eu queria, tudo o que eu esperava e muito mais. Foi simplesmente mágico e estou ansiosa pelo dia da estreia, para que o possa rever!

Dezembro 3, 2024 0 comments

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Vaiana 2 – Crítica Filme

by Beatriz Silva Novembro 28, 2024

written by Beatriz Silva

Passaram-se oito anos desde que Vaiana chegou aos cinemas para nos dar uma animação e uma banda sonora que conquistou facilmente o público (e quase que conquistou o Óscar também). Vaiana 2 chega agora aos cinemas mas será que conseguiu estar à altura do seu antecessor?

É importante referir que eu estava genuinamente curiosa para este filme. Adorei o primeiro filme, a banda sonora esteve em loop no meu Spotify e embora não achasse que precisava de uma sequela (muito menos de um live action), cá estamos aos dias de hoje com um a estrear e outro a ser filmado.

E não sei como exprimir a minha desilusão. E não me interpretem mal, o filme é perfeito para irem ver em família. Mas a verdade é que, para mim, não conseguiram manter a magia do primeiro filme e isso sim desiludiu-me. Mais uma vez, ter expetativas nem sempre é o ideal.

Para já, acho que toda a história é contada muito a correr. Começamos o filme com a nossa Vaiana a navegar, como já sabíamos que ela queria fazer desde o último filme, até que regressa a casa e conhecemos a irmã super fofa dela (o comic relief do filme). Mas tão depressa chegou à ilha dela como teve de se ir embora porque aconteceu tudo super rápido.

Embora a história tenha potencial e não seja uma cópia do primeiro filme, esta correria toda fez com que fôssemos obrigados a acompanhar tudo super a correr, e especialmente com novas personagens a surgir, acabamos por não criar empatia com as mesmas ao ponto que criámos com a Vaiana e Maui. Já para não falar no vilão que acaba por não aparecer concretamente (nem há uma construção ao ponto de o temermos) e uma pseudo vilã que… bom, não é muito desenvolvida. E sim, eu sei que há aqui espaço para termos uma trilogia, especialmente com a cena pós créditos, mas ainda assim, mais meia hora no filme não fazia mossa.

E a banda sonora nota-se perfeitamente que não há uma fluidez entre músicas como havia no primeiro filme, tal como não há uma música icónica como houve o How Far I’ll Go. Eles tentaram que a Beyond acabasse por ser semelhante em termos de impacto, mas não sei se foi por não ter ouvido nada antes do filme, que nada me ficou no ouvido depois de o ver.

Ainda assim, ambos os filmes continuam a ser maravilhosos num aspeto: a animação. Acabamos por ficar embasbacados a olhar para o ecrã, para todas as cores, as criaturas que aparecem, a ação a acontecer, os cabelos a esvoaçar, a tatuagem do Maui… e podia continuar! Se há coisa que vai ser difícil de passar para o live action é a forma como a animação de Vaiana é feita e nos transporta para o mundo dela.

Como já referi antes, é o filme ideal para irem ver em família. Para mim, que tinha expetativas altas, acabou por ficar aquém do que esperava. Ainda assim, não deixem de ir ver, porque só pelo espetáculo visual que nos continua a entregar vale muito a pena!

Novembro 28, 2024 0 comments

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The Wild Robot – Crítica Filme

by Ricardo Brito Novembro 13, 2024

written by Ricardo Brito

Quando é largada no meio de uma ilha “deserta de humanidade”, depois de um acidente, Roz, uma robô criada para servir a humanidade, terá de se reprogramar para cumprir uma missão impossível. Esta é a premissa de The Wild Robot.

ROZZUM 7134 é uma máquina desenvolvida por humanos para desempenhar de forma inequívoca tarefas e rotinas domésticas. Após um naufrágio encontra-se longe de moradias suburbanas, pó e pequenos almoços do estilo tipo resort e tem de enfrentar, sem qualquer preparação, os desafios da natureza selvagem.

Perdida e despida de qualquer propósito começa a procurar um propósito e a explorar a ilha e todos os seus habitantes. A adaptação está longe de ser natural e mais do que um robô, ROZZUM 7134 é um elefante numa loja de porcelana. O processo de adaptação e desenvolvimento é acelerado quando descobre um ovo que decide proteger até ao nascimento da criatura. Já com propósito conhece uma raposa, Fink, que personifica características já tão facilmente atribuídas a estes animais. Matreira, sarcástica e desconfiada, torna-se o primeiro amigo e confidente de Roz (abreviatura para ROZZUM 7134).

Segue-se a eclosão do ovo que revelerá uma das principais personagens do filme, Bright Bull. Das cascas nasceu um ganso bebé e um sentimento de missão para Roz. A Jornada da Maternidade começa e os desafios são ímpares e desconhecidos. Como qualquer mãe de primeira viagem, Roz tenta responder a todas as necessidades o melhor que sabe mas não tem esse código programado em si. Aprende a observar outros gansos o que tem de ensinar a Brightbill – comer, nadar e voar – para que ele esteja pronto para enfrentar os desafios da vida adulta, integrar-se com os outros gansos e para que ela possa “voltar para casa” com a missão cumprida.

Sabemos que ao dia de hoje os filmes de animação deixaram de ser histórias infantis desprovidas de enredos profundos e apenas com uma lição simples para tirar como conclusão. The Wild Robot é uma verdadeira cebola, tais são as camadas que apresenta e a vontade de chorar que traz aos espectadores.

Focar-me-ei principalmente em duas perspectivas, menos recorrentes, em filmes recentes. A perspetiva da maternidade e laços de cuidado é profundamente tocante. O instinto de criar, proteger e desenvolver uma criatura de diferente origem biológica transcende todos os arneses de preconceito e diferença que afastam os corações mais inseguros da empatia e do amor.

A Natureza é retratada de forma lindíssima, imperial e devastadora mas também como um ecossistema biológico de socialização e aculturação para todas as espécies. É na Mãe Natureza que a Robô Roz encontra estrutura e pergaminhos para a sua própria maternidade. É na natureza que se encontra a interdependência de todas as espécies e onde são replicadas de forma inconsciente, pelas personagens (mas com mestria pela produção) os conceitos de casa, família e inteligência.

O conceito do filme não é indiferente também à camada recorrente retratada atualmente entre o conflito da inteligência artificial e do mundo natural. Em tempos em que falamos e enfatizamos o desfoque e desapego por valores e questões realmente importantes em detrimento de validação e reconhecimento de desconhecidos através de canais digitais, este filme faz questão de destacar que a força da natureza e do mundo empírico que engole e molda e resume a tecnologia com a sua vigorosidade e inevitabilidade.

A nível técnico e artístico, destaco a capacidade de jogar com as cores e planos. As cores fortes, quentes e impositivas da natureza engolem e escondem as cores mais metálicas e camufladas do robô emprestando a noção de autoridade da natureza sobre a tecnologia que mencionava em cima. A suavização de cores e linhas por parte de Roz mostra também a sua capacidade de adaptação e evolução ao longo do filme. O estilo de desenho mais fluido e textural das personagens animais e da natureza atribui dinâmica e ritmo à história e propõe ao espectador um estilo de animação distinto, mas, ultimamente, muito agradável.

A direção de fotografia é ímpar face a outros filmes de animação. Os planos afastados engolem o robô na vasta paisagem e expõe cruamente a solidão e dificuldade de adaptação. Em contraste temos planos muito ampliados que transbordam empatia, felicidade e compromisso.

Em suma, The Wild Robot deixa muito sumo ao espetador. Deixa muita emoção e uma trama que prende e cativa desde o primeiro minuto.
Será um robô capaz de amar? Acho que sim, minha senhora.

Novembro 13, 2024 0 comments

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Gladiator II – Crítica Filme

by The Golden Take Novembro 11, 2024

written by The Golden Take

24 anos depois, os gladiadores estão de volta à arena do Coliseu e dos grandes ecrãs, com Gladiator II a estrear já esta semana nos cinemas, sendo um dos filmes mais aguardados deste ano!

E vou já ser o mais honesta possível: que grande filme!

Antes que perguntem, é preciso verem o Gladiator, nem que seja pelo propósito que dá a este filme. E já que estamos na base da honestidade, provavelmente muitos vão dizer que o primeiro é que é bom e que este serve apenas para ser um blockbuster.

E a mim, isso pouco me importa porque desde há muito tempo que não me sentia tão entretida como me senti neste filme. E atenção, eu gosto muito do Gladiator (2000), aquela banda sonora terá sempre um lugar especial no meu coração e até consegue ser um filme que vemos nos dias hoje e dizemos aquela mítica frase do “envelheceu bem”.

Mas com este Gladiator II, é quase como uma redenção de Ridley Scott depois da enchente de críticas a Napoleão. Ele sabe muito bem o que quer trazer para os grandes ecrãs com esta sequela que para mim, é melhor que o filme original, mas claro que o original será sempre especial e nada lhe tira isso.

É melhor para mim pelo espetáculo visual que Scott nos trouxe, é melhor para mim porque consegue ter a mesma garra que o primeiro e trazer-lhe um motivo maior e é melhor para mim porque conseguiu deixar-me altamente investida na história. E se era para mexer em equipa vencedora, que ao menos a história fosse boa (e esse era o meu maior medo, daí não ir com expetativas super altas). E é realmente boa.

Mas claro que embora a história seja boa (e ainda assim faltou-me contexto em algumas coisas) nem que seja por ser daqueles casos de que nem sabíamos que queríamos ver a história de Lucius até ver e ficarmos a torcer por ele.

Já referi que o visual é fortíssimo e em termos de coreografia está muito bem feito, e a banda sonora conquista-nos ao trazer notas que tão bem conhecemos da original mas dando-lhe um toque para se adequar ao filme que estamos a ver no momento, assim como o trabalho de som que nos faz mexer na cadeira por diversas vezes de tão imponente que está. A cinematografia também está no ponto e todo o trabalho de cenários, figurinos, maquilhagem… o realismo que trazem é só incrível.

Falando na representação, que leque de atores! Paul Mescal é sem dúvida avassalador. Eu conheci o trabalho do Paul através da série Normal People e para mim ele já tinha mostrado todo o seu talento aí, até o ver neste filme. Juro, que trabalho físico que ele teve de ter para este papel sem nunca perder a emoção da representação. Maravilhoso simplesmente e espero que, pelo menos, a Academia o nomeie (é praticamente certo, eu sei, mas nunca confiando).

Pedro Pascal entrega mais uma vez um trabalho fantástico, embora achasse que o destaque dele fosse maior. E se falo de Pedro tenho de falar do seu parceiro em Fantastic Four, Joseph Quinn, que aqui interpreta o Imperador Geta, que faz um arrepio subir pela espinha a par e passo de Fred Hechinger, que interpreta o seu irmão gémeo, o Imperador Caracalla. Os dois juntos fazem-nos rir ao mesmo tempo que nos tiram do sério. Já Connie Nielsen mantém todo o seu esplendor após 24 anos com Lucilla.

E Denzel Washington a regressar em grande para um papel em que nos entrega comédia, drama, esquemas e astúcia. Tenho pena que não tenhamos grande contexto da personagem dele mas acho que ele vai receber a sua nomeação por parte da Academia como Ator Secundário e, quem sabe, não levará mesmo a estatueta para casa (e seria merecida).

Em suma, sim, Gladiator foi incrível e a própria pontuação no Imdb o prova, com as suas 8.5 em 10 estrelas mas 9 estrelas da minha parte. Mas a sequela é igualmente maravilhosa e, embora para mim, consiga ser melhor em termos de entretenimento (porque a própria experiência em IMAX também assim o permitiu), vou dar-lhe a mesma nota que dei o original porque não teria sido tão bom este filme se o seu predecessor não tivesse sido já tão bom por si só.

Gladiator II chega dia 14 de novembro às salas de cinema.

Novembro 11, 2024 0 comments

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Smile 2- Crítica Filme

by Inês Retorta Novembro 9, 2024

written by Inês Retorta

Não tinha grandes expectativas para “Smile 2”. Parecia um conceito que tinha um filme e nada mais, mas pegou num filme de terror acima da média, o original, e disse «vamos melhorá-lo em todos os sentidos». É popcorn horror no seu melhor.

Smile 2 tem por base o mesmo conceito do primeiro filme, mas evolui para algo mais do que apenas um filme de terror. Desta vez, a narrativa acaba mais concentrada nos personagens e nas suas histórias, desenvolve mais profundamente do que o que normalmente acontece num filme do género.

O realizador e argumentista Parker Finn, na sua segunda longa-metragem, mostra um rápido crescimento. Com a ajuda da actriz em ascensão Naomi Scott, que vemos no filme como Sky Riley – uma estrela pop de sucesso cujo personagem é inspirado por Amy Winehouse e Whitney Houston, Finn consegue incorporar a crítica social num filme de terror, examinando o papel do público na queda de uma estrela.

Smile 2 é uma espécie rara de filme: uma sequela que é indiscutivelmente melhor do que seu antecessor. Como no primeiro, o tema do trauma está habilmente entrelaçado na narrativa, ao lado da qual os temas de controlo, psicose, luto e vício são os pivots sobre os quais o horror gira. Riley deve lutar tanto contra os seus demónios internos quanto contra a ‘criatura sorridente’, nunca tendo a certeza do que é realidade ou fantasia. Isto contribui para um passeio engraçado e imprevisível, já que Finn, fazendo excelente uso de sustos visuais e de áudio, leva alguém ao coração sorridente do terror.

A ameaça está no canto de cada frame, esperando para nos dar choques agudos de susto. Desde a abertura brilhantemente frenética até ao final, o filme dispara em todos os sentidos, nunca desistindo. A caracterização de Finn é astuta e a narrativa surpreendentemente engraçada; é um horror com comédia negra em seu núcleo: ‘Smile 2’ tem um pouco mais a oferecer aos espectadores do que o seu antecessor.

Novembro 9, 2024 0 comments

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Terrifier 3 – Crítica Filme

by Inês Retorta Novembro 8, 2024

written by Inês Retorta

Já falámos aqui anteriormente dos três primeiros filmes da saga Terrifier, que veio a introduzir e solidificar Art the Clown como o novo ícone do terror. Passamos por uma antologia negra, sem grande história, a dois filmes cheios de gore, com uma história mais sólida. Terrifier 3 veio adicionar ainda mais a este universo criado por Damien Leone, que leva o terror e o gore a um extremo nunca antes visto.

Após ser decapitado por Sienna Shaw, o corpo sem cabeça de Art, mata um polícia que responde ao incidente, dirigindo-se em seguida ao asilo – onde a sobrevivente Victoria Heyes, agora possuída pela Pequena Rapariga Pálida, acaba de dar à luz a sua cabeça. Matam uma enfermeira e um guarda antes de fugirem para uma casa abandonada. Victoria esmaga a cara no espelho da casa de banho e usa um caco de vidro partido para cortar os pulsos, entrando em hibernação numa banheira, enquanto Art se senta numa cadeira de baloiço no sótão; os dois ficam adormecidos.

Cinco anos depois, Sienna recebe alta de um centro de saúde mental para ficar com a tia Jess, que vive com o marido Greg e a filha Gabbie, que idolatra Sienna, mas não tem conhecimento dos acontecimentos que ela sofreu. Art e Victoria são acordados do seu sono quando dois trabalhadores da demolição se deparam com eles na casa. Art inicia um novo ciclo de matança vestido de Pai Natal, voltando para aterrorizar Sienna.

A maior queixa relativamente a este filme, foi o facto de o Art não ter tido tanta piada como no segundo filme. Sim, ele tem alguns momentos fantásticos neste filme, especialmente o que faz constantemente a uma personagem no clímax do filme, apesar da seriedade e intensidade da cena. A experiência de David Howard Thornton com a mímica ainda é visível neste filme, e acho que ninguém poderia fazer melhor a personagem. Ainda assim, foi um filme demasiado sério e não foi capaz de equilibrar a arte acrobática do humor com o horror tão bem como o anterior. Houve alguns momentos de humor, mas a maioria deles, na segunda metade do filme, não funcionou devido à sua natureza demasiado sádica.

Terrifier 3 entrega tudo o que dele é esperado, pegando em tudo o que o segundo filme fez bem e fazendo ainda melhor. O segundo filme pareceu um pouco longo demais, com 138 minutos, e o tempo de duração ligeiramente mais curto de Terrifier 3 ajudou imenso ao ritmo da história. É um filme exagerado, violento, sem grande sentido narrativo, mas que acaba por cumprir tudo o que promete.

É um bom filme para os amantes de hiperviolência. Mas não é definitivamente para toda a gente. E se quiserem vê-lo apenas por curiosidade mórbida, se o segundo filme foi demais, devem definitivamente evitar este.

Novembro 8, 2024 0 comments

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Red One – Crítica Filme

by Beatriz Silva Novembro 7, 2024

written by Beatriz Silva

O Natal chegou mais cedo aos cinemas porque é já esta semana que temos Red One: Missão Secreta para começar a puxar pelo espírito natalício com uma comédia recheada de ação!

E claro que se é uma comédia com ação, conta com Dwayne Johnson e a ele junta-se Chris Evans e ainda Lucy Liu e J.K.Simmons. A premissa é muito simples: o Pai Natal é raptado e o seu segurança (The Rock), a um dia da sua reforma, vê-se obrigado a trabalhar com o caçador de recompensas que fez com que o rapto fosse possível (Evans) para salvar o Natal a pouco tempo de o mesmo acontecer.

Vamos lá ver uma coisa, há que saber moderar as expetativas quando vamos para um filme destes. Temos duas opções: ou levamos o filme super a sério e somos picuinhas com as tecnicalidades, ou abraçamos o género e tentamos divertir-nos no processo, nem que seja a adivinhar qual é o próximo passo que os heróis vão fazer.

Em termos de dinâmica, eu acho que o The Rock e o Chris Evans acabaram por funcionar bem. O lado mais casmurro do Callum mas que tem um grande apreço pelo Natal (não fosse ele o segurança do Pai Natal), o lado mais descrente do ladrão que não acredita simplesmente no Natal. São ingénuos mas ambos muito divertidos- E claro que nós sabemos que as coisas não vão ser sempre assim, porque o trabalho em equipa para salvar o Natal vai mudar a perspetiva de ambos.

Das duas opções, eu decidi ir pela segunda. Abracei a eventualidade de estar a ver um filme de Natal quase dois meses antes (adoro os timings das estreias dos filmes) e tentei divertir-me ao máximo a comentar tudo com uma amiga (não façam isto se tiverem com muitas pessoas ao lado).

Se o filme é incrível? Não é. Se os efeitos visuais são bons? Não são incríveis mas acho que para o caso, até ficaram muito bem! Se o argumento convence? Fica um pouco aquém.

Mas está tudo bem. As comédias são feitas para nos divertir e nem sempre os filmes conseguem fazer isso, ou não tem esse objetivo. Claro que há comédias incríveis mas esta não é uma delas, mas também não é a pior que coisa que já vi (e de Natal).

Veredito final:

As 2 horas de filme acabam por passar muito rápido, porque vamo-nos rindo na companhia de Chris Evans e The Rock (e ficou o bichinho de os ver juntos novamente)! Não é um filme maravilhoso mas é sem dúvida um bom kick off para o espírito natalício no cinema.

Novembro 7, 2024 0 comments

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Revisitando: Harvey (1950)

by Pedro Almeida Novembro 2, 2024

written by Pedro Almeida

Revisitando a época de 1950, no fundo do baú, encontramos um dos filmes infantis mais desconhecidos do público. Concebido pelo realizador Alemão Henry Koster, e escrito pela vencedora de um Pulitzer Mary Chase, “Harvey” é um filme sobre a amizade de um homem de seu nome Elwood P. Dowd (James Stewart) e de um coelho imaginário chamado Harvey.

Elwood é um homem de meia-idade que vive com a sua irmã Veta (Josephine Hull) e com a sua sobrinha (Victoria Horne), que afirma ter um coelho como amigo mas que ninguém consegue ver mesmo tendo 2 metros de altura. Ele explica que Harvey é um “Puca”, uma criatura mística da mitologia Céltica. No entanto, como ninguém consegue ver o coelho, todos os conhecidos de Elwood e da sua família, acham-o um louco, e tentam interná-lo no hospício da cidade.

Este filme foi uma verdadeira surpresa para mim. Descobri-o quando explorava uma coleção antiga de DVDs. Por curiosidade, decidi vê-lo e foi uma excelente surpresa.

1950: Movie still of American actors James Stewart (1908 – 1997) and Peggy Dow (L) in the therapeutic bathing room, in a still from director Henry Koster’s film, ‘Harvey’. The other woman is probably actor Minerva Urecal. (Photo by Hulton Archive/Getty Images)

O guião é muito bom, com mensagens escondidas, um excelente desenvolvimento do carácter psicológico dos personagens, especialmente daqueles que convivem com Elwood e com o Harvey. Aos poucos fui sentindo este filme parecido com o “12 Angry Men (1957)”, que apesar de ser uma estrada completamente diferente, a forma como a narrativa e a atuação do James Stewart foram se desenvolvendo, parecia que estava prestes a ver o Elwood a tentar convencer (e a conseguir em alguns casos) cada um dos que duvidaram de si, a converterem-se ao Harvey. Elwood seria o Jurado número 8, que também tentara convencer a mesa de que a sua teoria era real. Apesar de isto parecer algo que só um adulto compreenderia, este filme é um excelente divertimento para ver com a família, especialmente com os mais novos. Tem uma bonita mensagem para partilhar com as crianças.

Nas componentes técnicas, este é um filme a preto e branco, com uma banda sonora simples, cenários também minimalistas e que apresentam o cotidiano de uma cidade.

Veredito final:
Toda esta criatividade rendeu uma indicação aos Óscares de Melhor Ator para James Stewart e um prémio de melhor atriz coadjuvante para Josephine Hull. É um filme muito bem avaliado pela crítica e pelo público. É com certeza um “must watch” para qualquer um, que fará recordar os bons momentos da infância. É super leve, divertido e entretém muito.

Novembro 2, 2024 0 comments

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The Substance – Crítica Filme

by Pedro Almeida Outubro 30, 2024

written by Pedro Almeida

“The Substance” é com certeza dos filmes mais falados recentemente, visto que inúmeros “tik toks” e “reels” estão a inundar a internet. Isto porque o filme já tem 1 mês de idade, visto que saiu lá fora em Setembro. No entanto, para nós, portugueses, só teremos o privilégio de assistir a este filme no dia 31 de Outubro, o dia das bruxas. E, é com certeza o filme indicado para se ver neste dia (a equipa que pediu esta data específica merece um aumento).

Este novo filme de Coralie Fargeat (A Vingança, de 2017) é uma longa metragem de terror e ficção científica que explora o conceito de beleza feminina e o misoginismo na indústria da televisão e do cinema. Nesta película, somos apresentados a uma estrela de Hollywood em decadência, Elisabeth Sparkle (Demi Moore) que apresenta atualmente um programa sobre fitness para pessoas de meia idade. Já com uma idade avançada, ela ouve uma conversa do produtor do programa, Harvey (Dennis Quiad) a dizer que irá despedir Elisabeth por ser velha de mais. Entristecida, Elisabeth volta para casa e ao distrair-se com um poster seu a ser retirado de um outdoor gigante, acaba por sofrer um grave acidente. No hospital, um jovem médico Troy (Oscar Lesage) entrega-lhe uma pen sobre o produto “The Substance”.

O filme tem cerca de 2h20m, o que dá-lhe imenso espaço para se desenvolver da melhor forma, e a verdade é que a realizadora não desperdiça um único segundo. A cada minuto, exploramos a mente de Elisabeth na sua autocrítica e na sua vontade de ter “uma melhor versão de si mesma”.

Explorando as vantagens e desvantagens da “Substância”, Elisabeth vai se debatendo durante uma boa parte do primeiro ato se será melhor aceitar ou não. Mas enfrentando todos os dias um mundo misógino, que apesar de estar em grande forma, devido à sua idade, não lhe dá as oportunidades que merece apesar de ser uma vencedora de um Oscar e uma estrela de Hollywood. Uma visão um pouco exagerada da realidade, mas com um pingo de verdade para reforçar o ataque às produtoras machistas de hoje em dia.

Coralie Fargeat sabe explorar este conceito bem, misturando-o um pouco com o terror psicológico e com “algum” gore à mistura que começa quando a versão “melhorada” de Elisabeth sai do corpo da mesma a partir das costas numa cena agoniante tanto para a personagem como para o espectador. É aqui que somos apresentados a Sue (Margaret Qualley), uma versão mais jovem de Elisabeth que tem todos os sonhos e oportunidades pela frente.

Esta dupla dinâmica apesar de contracenar pouco, é uma excelente escolha por parte do diretor de elenco que conseguiu juntar duas atrizes que se não tivessem aparências diferentes, poderia-se afirmar que eram a mesma pessoa com atuações diferentes. Aqui não existe aquela estranheza de serem duas pessoas diferentes, apesar da personagem ser a mesma. É um equilibro de essência bastante bom.

Já no 2º ato do longa, vemos as mudanças entre vidas que Elisabeth toma enquanto é a sua versão mais velha e a sua versão mais nova. As regras são claras, nenhuma das versões pode durar mais do que 7 dias. Mas como estamos a falar de um filme de terror… Isso não acontece. Então, aqui é que começa tudo a complicar-se.

Marcas permanentes começam a aparecer na versão mais velha de Elisabeth, visto que a sua versão mais jovem, por ter uma vida toda pela frente e ser irresponsável, abusa dos 7 dias e chega sempre a tomar mais um pouco. As consequências ao ínicio são “leves”, mas à medida que a versão mais jovem vai conseguindo fama e vai querendo ficar mais na “realidade”, a versão velha sofre as consequências que começam a torná-la num monstro.

Encaminhando-nos para o 3º ato, vamos vendo um confronto entre as versões, onde de um lado a versão mais velha vai querendo controlar o tempo da versão mais jovem para não ficar totalmente deformada, enquanto a versão mais jovem vai se tornando mais rebelde querendo apenas aproveitar a fama e todas as oportunidades que lhe estão a dar.

Depois de muito desenvolvimento, o final do filme apresenta um capítulo completamente diferente do que o espectador poderia esperar no início. Nos primeiros minutos, o espectador pensa que vai ver um filme de terror com um subtema sensível que fala na sociedade misógina e como ela trata as mulheres de meia idade injustamente, mas no final, o espectador acaba por ver daqueles filmes dos anos 80 totalmente gores, cheio de sangue e com monstros à solta pela cidade. É uma mistura muito interessante que muitos até não podem gostar, mas eu, enquanto amante deste tipo de filmes, fiquei bastante surpreendido e gostei imenso por ter experienciado este final daqueles filmes que já não se vê há muito no cinema. Analisando do ponto crítico, as duas partes não têm muita conexão e apenas é uma violência exagerada que apesar de ter um sentido é muito longa. Mas a construção que levou a esse momento é muito engraçada de se ver e não está completamente fora do tom. É um final muito subjetivo.

Partes Técnicas:
A banda sonora é um fio condutor deste filme que ajuda no desenvolvimento do terror psicológico. A iluminação e a fotografia compartilham imensas cenas bonitas e contribuem para um realismo mais sincero deste tipo de conteúdo.

Veredito final:
No geral, “The Substance” é um filme muito bom, com certeza dos melhores filmes de terror do ano que irá levar imensas nomeações e prémios para casa. As atuações das atrizes principais são fenomenais, contribuindo para um filme muito sincero e realista, que apesar de ter-se diversificado no final, tem uma mensagem super poderosa e muito pouco falado atualmente. Em conjunto com as componentes técnicas, é um filme sólido que mostra a podridão de hollywood. É um excelente filme para ver nesta spooky season.

Outubro 30, 2024 0 comments

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We Live in Time – Crítica Filme

by Pedro Almeida Outubro 14, 2024

written by Pedro Almeida

We Live in Time (Todo o Tempo Que Temos) leva o conceito do tempo não só a um nível sentimental e simbólico mas também a um nível onde o mesmo não é linear e coeso.

O filme atravessa diversas etapas do casal Almut (Florence Pugh) e Tobias (Andrew Garfield) desde o momento em que se conhecem, ao nascimento da pequena Ella, até à descoberta da doença fatal de Almut. O novo filme da A24, apresenta estes momentos de forma intercalar. O tempo não passa corretamente lógico e em apenas dezenas de minutos viajamos entre o passado e o presente. No entanto, estes momentos são muito bem feitos que o espetador apesar de estranhar à primeira, como costumam dizer, entranha logo a seguir.

Ao início, comecei a pensar que este é do tipo de filmes “fáceis” para fazer qualquer um chorar. Um casal com uma filha que ultrapassa diversas dificuldades nas suas vidas, descobrem uma doença fatal que mudará as suas vidas… Já chega a ser um cliché dos filmes de romance.

Mas à medida que via o filme sentia que ele era diferente dos demais. Talvez seja pela amostra do tempo que o filme apresenta, algo não muito coeso com saltos entre o passado, o presente e o futuro. Ou talvez seja também a química incrível que Andrew Garfield e Florence Pugh apresentam a cada take que partilham. Conseguimos tanto receber a paixão louca e sexual que ambos têm um pelo outro, como recebemos o amor e o carinho que um sentem um pelo outro e os riscos que cada um tenta obter pelo outro. Por momentos, o espectador esquece que aquele filme não vai acabar bem e relaciona-se “demais” com os personagens, que sabe, que terão um fim trágico… Bom, pelo menos um deles.

Apesar da doença que a personagem de Florence Pugh apresenta, os dois tentam criar “6 meses incríveis como o car****”, como uma abordagem simbólica de “não desperdiçar o tempo que lhes resta”. Acho bastante interessante este ponto de vista do filme, ao passar a mensagem ao espetador de que apesar do relógio estar a cronometrar, o tempo não é algo que mesmo assim se desperdice. Mesmo tendo este relógio a contar os minutos para o “momento final”, a personagem de Florence Pugh ainda arranja tempo para os seus “assuntos pessoais”… Sendo uma chefe de cozinha e com um evento grandioso à porta, intitulado de “Bocuse d’or”, ou como eles chamam “as olímpiadas da cozinha”, Amlut tenta desanuviar toda a sua dor e problemas que enfrenta num legado que pretende deixar à sua filha e que não a faça esquecer da mãe.

“Eu não consigo pensar na ideia de ser esquecida.”

Já o personagem de Andrew Garfield, tenta ao máximo fazer tudo pela sua mulher e por vezes fica irritado com o facto dela esquecer-se do pouco tempo que lhe resta. É um personagem super atencioso que faz de tudo para que possa proporcionar os 6 meses de felicidade a Amulet. Não consigo tirar a ideia de que o Andrew Garfield colocou um pouco de si neste personagem, porque a pessoa real e o personagem interpretado têm uma coligação tão incrível que por momentos perco-me no pensamento que estes são pessoas diferentes.

Veredito final:
A A24 acerta novamente desta vez com um filme romance, que faz qualquer um chorar, sobre o pouco tempo que às vezes temos para estar com as pessoas mais próximas. E a importante mensagem é que não importa o pouco tempo que temos, ainda há muita coisa que se consegue fazer. A atuação é excecional, a banda sonora é muito bem usada para dar ênfase às cenas enquanto são moldadas por uma edição estranha mas muito bem pensada.

Outubro 14, 2024 0 comments

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